Inspiration Day #2 : Chronique uchronique #3

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Comme c’est l’été et que l’été, pour moi, c’est ambiance morbide – ne me demandez pas pourquoi – et sagas épisodiques, j’ai décidé de revenir avec ma chronique uchronique pour la troisième année consécutive. Car il y a encore pas mal de destins brisés dont j’ai envie d’imaginer une vie meilleure.

Cette année, il y aura notamment deux personnages mythiques qui m’ont été demandés par la même personne, mais aussi du Tagada Tsoin Tsoin et de la midinette au sort peu enviable – je ne parle pas d’Anna Nicole Smith, on parle bien de musique, ici. Allez, c’est parti.

Jim Morrison (8 décembre 1943 – 3 juillet 1971)

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La chose sur laquelle le Mari et moi-même sommes d’accord, c’est que le brave James Douglas M. aurait fini vieil alcoolique qui serait mort vers l’âge de 55 ans. Le Mari appuie sur le fait qu’il aurait quitté les Doors et tenté de réellement percé dans l’édition de ses poésies. Bref, il serait devenu le nouvel Allan Ginsberg, le positionnement anachronique en plus. Quitte à parler d’écrivain poivrot, j’aurais davantage pensé à Ernest Hemingway. Réponse du Mari : Au moins, Hemingway avait des couilles. De là à dire que Morrison, devant l’évidence de son absence de succès littéraire, aurait préféré vivre reclus avec la veuve Cliquot, il n’y a qu’un pas.

Joe Dassin (5 novembre 1938 – 20 août 1980)

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Le Mari pense qu’il serait devenu un chanteur ringard dans la mouvance de Salvatore Adamo – qui, pour le coup, se fait bien réhabiliter par la nouvelle scène française (Benabar, notamment). Je pensais la même chose, mais du standing de Richard Anthony, plus flamboyant que faussement mélancolique. Mais il est clair que, s’il avait écouté son médecin qui lui avait dit de se reposer au lieu de faire la tournée qui s’avérera être celle de trop, Joe Dassin aurait compris qu’il commençait à devenir ringard et se serait rangé des bagnoles pour revenir avec la tournée Âge tendre et tête de bois. Ou alors, mis en confiance par le succès de Big Bisou, il se serait fait des couilles en or en composant La Queue Leu Leu. Je viens d’avoir des images très sales dans ma tête.

Bob Marley (6 février 1945 – 11 mai 1981)

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On va dire que le brave Bobby a joué au con en ne prenant pas en compte le fait qu’une simple amputation de son orteil aurait pu freiner le cancer généralisé qui lui fut fatal. Quoi qu’il en soit, s’il n’avait pas été atteint par le crabe, Robert Nesta Marley aurait été assassiné pour son engagement politique, comme il a failli l’être en 1976. Il y a de fortes chances que Bobby aurait peu à peu abandonné la musique pour s’inscrire dans une carrière politique ancrée à gauche. Je l’aurais bien vu organiser des trucs de fou pour les retours d’Usain Bolt au pays, en bon premier ministre paternaliste qu’il serait devenu.

Minnie Riperton (8 novembre 1947 – 12 juillet 1979)

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Ayant commencé sa carrière à 15 ans dans une girls band, Minnie Riperton n’a pas eu le temps de développer son talent au-delà du single Lovin’You (1975). C’est à partir de ce moment qu’on lui a diagnostiqué le cancer qui lui sera fatal – bordel, c’est thématique crabe aujourd’hui. Bien qu’elle n’ait clairement pas eu l’aura d’une Donna Summer ou d’une Diana Ross pour s’imposer dans le registre du disco, elle aurait mis sa carrière entre parenthèses dans les années 1980, pour revenir dans les années 1990 à la faveur de reprises de ses tubes par les divas du new jack et du r’n’b. Bref, pas une diva de la soul, mais une chanteuse à la voix suffisamment inspirante pour poursuivre son petit bonhomme de chemin.

Sirima Wiratunga (14 février 1964 – 7 décembre 1989)

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Le nom ne vous dit rien comme ça, mais cette artiste britannique née d’un père sri-lankais et d’une mère française est celle qui a interprété Là-bas avec Jean-Jacques Goldman et qui, à la sortie de son unique album, se fait tuer par son mec, musicien jaloux de son succès. Si le monde était bien fait, elle se serait cassée avec son fils en sûreté en Angleterre pour y faire une carrière folk pas mirobolante, mais honorable. Un petit peu comme Michael Jones, autre artiste avec lequel le brave Jean-Jacques a collaboré.

A bientôt pour de nouvelles aventures.

Inspiration Day #1 : 4 artistes que j’ai envie de réhabiliter

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Ce dimanche 21 août 2016, j’écoute le podcast Encore plus de Bruit, dans lequel collabore le couple mythique que le Mari et moi, on admire et qu’on appellera ici Bouli et Belette. Et l’un des collaborateurs de l’épisode, habitant Long Island, a décidé, dans une émission où le métal a largement droit de cité, de réhabiliter Billy Joel. Et je trouvais que c’était bien couillu, tant le brave monsieur se paie une sale réputation de ringardise en Europe alors qu’il est largement prophète dans son pays.

A force d’écouter Radio Nostalgie, des artistes que je considérais comme dépassés ont repris un peu plus de standing à mes yeux. En effet, quand je vois à quel point la musique est autotunée à l’heure actuelle, et vu comment le Mari m’a lavée le cerveau avec ses rétrospectives sur Gene Clark, j’ai bien l’impression que ma grand-mère écoute du son plus frais que moi. Malgré tout, certains artistes dont j’avais pris l’habitude d’en rire sous cape me donnent envie de redécouvrir leur discographie, tant leur talent m’avait à un moment échappé.

Voici donc les 4 artistes que la vieillesse me fait voir sous un nouveau jour.

Billy Joel

A force de le considérer cet artiste à l’univers pourtant très étendu comme du sous-Elton John, on avait oublié qu’en fait, il envoyait sérieusement du pâté, tant par ses multiples influences musicales que ses différents choix de carrière. C’est pour cette raison, qu’à l’instar d’un Johnny Halliday ricain, il pète encore la classe dans son pays. Le contributeur du podcast cité en intro a, quant à lui, écouté le premier album de Billy Joel, Cold Spring Harbor (1971), qui, d’une part, lui a donné l’impression de s’acclimater plus facilement à son exil états-unien en s’accoquinant avec le son typique du lieu, et, d’autre part, lui a donné envie de se plonger lui-même dans la discographie. C’est tout à son honneur. Voici l’extrait qu’il a présenté à l’émission, si cela peut vous convaincre du bien fondé de cette réhabilitation.

Johnny Hallyday

A l’écoute des extraits de son dernier album, De l’amour (2015), je me dis que, comme tout interprète bourrin, Johnny souffre d’une grande injustice. En effet, s’il n’a pas le bon parolier et le bon compositeur qui le comprennent dans toute sa complexité – enfin surtout le compositeur –, il se retrouve à chanter de la merde sans que personne ne s’en émeuve. Petite mise en situation.

Voici Johnny chantant du Pascal Obispo :

Perso, je trouve qu’il y a une couille dans le potage. Je me dis qu’Obispo a estimé que la chanson était trop bancale pour qu’il l’interprète lui-même – car oui, quand on assume un truc, il faut l’assumer jusqu’au bout. Cela me laisse un sentiment de gêne, car je n’ai pas l’impression que la chanson était faite pour Johnny.

Voici Johnny chantant du Jacques Revaux (un mec qui a notamment collaboré avec Sardou, Aznavour, etc.) :

On observera que les paroles sont de Pierre Billon. Oui, le même qui a chanté ça :

Bref, pour ma chanson préférée de Johnny, il a su s’entourer de mecs très talentueux, mais pas assez pour qu’ils assurent eux-mêmes le devant de la scène. Car Johnny est comme ça : si les mecs au départ n’ont pas compris qui était le Taulier, ils font passer leur discours artistique avant le sien et ça devient du grand n’importe quoi.

François Feldman

Je l’ai vu en concert récemment dans le cadre d’un festival où j’étais bénévole, et ça envoyait bien du fat. Celui qui fut une des nombreuses victimes de la mutation de l’industrie musicale au début des années 1990 ne mérite pas le procès d’intention qu’il a eu après le Téléthon.

Oui, c’était une sacrée boulette, mais cela ne suffit pas à expliquer la traversée du désert qu’il a connue après. En effet, en conflit avec sa maison de disques, il s’est gentiment fait signifier qu’il n’était plus aussi productif qu’il ne le fut et que, bon, ce serait bien qu’il pense à se reconvertir. Je vous le donne en mille, le producteur était… Pascal Nègre.

Giorgio Moroder

Je ne sais pas si je peux parler de réhabilitation pour Giorgio Moroder, je parlerai donc de prise d’importance dans l’industrie musicale. Car non content d’être DJ et d’être un David Guetta classe, il a quand même fait des trucs sacrément fatounes dans les années 1970 – en produisant les Sparks et Donna Summer – et les années 1980 – en signant des BO bien badass (Scarface, Flashdance, L’histoire sans fin, Top Gun). Il a aussi collaboré, que ce soit pour la production, la composition ou le remix, avec France Gall, Mireille Mathieu, David Bowie, Freddie Mercury, Eurythmics, Coldplay, Elton John, Graham Nash, Lady Gaga… Mais le problème est qu’il peut faire dans le bon comme dans le mauvais.

Pour conclure, je dirais qu’il ne faut jamais fermer la porte à un style musical, car on finit toujours par y revenir un jour ou l’autre. Et vous, quels artistes avez-vous redécouverts ?

Revue cinématographique et musicale #7 : les moments de grâce musicaux dans les films

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Ca doit bien faire un an que je ne suis pas allée au cinéma et ça se ressent. Je limite mes rapports cinématographiques au Fossoyeur de Films, à Karim Debbache et aux rares DVD qui traînent à la maison. Autrement dit, c’est pas folichon tout ça. Malgré tout, j’aimerais parler des moments de grâce dans le cinéma qui implique qu’on y joue de la musique.

Car même au cinéma, il arrive que la rencontre entre deux personnages, la découverte de soi, l’évolution du personnage, l’amour, la mort, passe par la pratique d’un ou plusieurs instruments. Moi l’économe en mots à l’oral ne peut que valider qu’on puisse faire communiquer les personnages autrement qu’avec des paroles. Et quand le message s’intègre parfaitement dans le déroulé du film, je suis en extase.

Voici 4 vrais moments de kif musical dans les films.

1 – Délivrance (John Boorman, 1972)

Pitch Allociné : Quatre Américains de classe moyenne, Ed Gentry, Lewis Medlock, Bobby Trippe et Drew Ballinger décident de consacrer leur week-end à la descente en canöe d’une impétueuse rivière située au nord de la Géorgie. Ils envisagent cette expédition comme un dernier hommage à une nature sauvage et condamnée par la construction d’un futur barrage. Mais les dangers qu’ils affronteront ne proviendront pas uniquement des flots tumultueux de la rivière…

Morceau interprété : une réécriture de Feudin Banjos (Arthur Smith & Don Reno, 1955) renommé pour le coup Dueling Banjos.

Il faut savoir que ce morceau a été réécrit par Eric Weissberg et Steve Mandell pour le film sans demander l’autorisation d’Arthur Smith, qui en a donc profité pour amasser pas mal de thunes au passage.

Pourquoi c’est fort : c’est pour moi l’archétype de la belle rencontre entre deux humains qui sont censés ne pas se comprendre. Le personnage de Drew Ballinger (Ronny Cox qui signe là l’un de ses premiers rôles majeurs), businessman de la ville, sent quelque chose se réaliser lorsque le petit Lonny (Billy Redden, qui contrairement à ce que l’on pense, n’est pas plus handicapé que vous et moi, il a juste la gueule de travers) sort de sa réserve et montre son banjo. Je trouve que ça regroupe à la fois l’allégorie de la rencontre amoureuse et de l’apprentissage scolaire tel qu’il devrait se dérouler.

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2 – Tous les matins du monde (Alain Corneau, 1991)

Pitch Allociné : A la fin de sa vie, Marin Marais, prestigieux violiste de Louis XIV, se souvient de son apprentissage avec Monsieur de Sainte Colombe, grand maître de la viole de gambe. Professeur austère et intransigeant, ce dernier ne va pas de main morte avec son jeune élève ainsi que ses deux filles. Suite au décès de sa femme, le virtuose a recherché en vain une perfection absolue dans son art, possède son apprenti.

Morceau interprété : Improvisation sur les Folies d’Espagne (Marin Marais, 1701)

A l’origine, la folia ou Folie d’Espagne est une danse apparue vraisemblablement au XVe siècle au Portugal, avant de s’étendre à l’Espagne et à l’Italie. Beaucoup de compositeurs se sont ensuite attelés à en créer des variations. Dans l’extrait diffusé, Marin Marais (joué par Guillaume Depardieu) décide de convaincre le maître de viole Monsieur de Sainte-Colombe (interprété par Jean-Pierre Marielle) en interprétant son improvisation.

Pourquoi c’est classe : Parce que Tous les matins du monde tel que raconté par Pascal Quignard en mots et Alain Corneau en images est une œuvre globale qui met en relation les compositions de Marin Marais avec son état d’esprit à chaque étape de sa vie. On voit ici tout le compositeur dans toute sa jeunesse et toute son insolence, qui préfère improviser sur un air pour prouver son talent face à la force tranquille et désabusée du maître qui en a vu d’autres.

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3 – Whiplash (Damien Chazelle, 2014)

Pitch Allociné : Andrew, 19 ans, rêve de devenir l’un des meilleurs batteurs de jazz de sa génération. Mais la concurrence est rude au conservatoire de Manhattan où il s’entraîne avec acharnement. Il a pour objectif d’intégrer le fleuron des orchestres dirigé par Terence Fletcher, professeur féroce et intraitable. Lorsque celui-ci le repère enfin, Andrew se lance, sous sa direction, dans la quête de l’excellence…

Morceau interprété : Caravan (Juan Tizol/Irving Mills/Duke Ellington, 1936)

Ce standard du jazz fait partie des gammes imposées à n’importe quel musicien du genre, notamment aux pianistes – je renvoie à certaines interprétations par Antoine Hervé ou Michel Petrucciani. Dans certaines versions englobant un orchestre élargi, il est courant d’inclure un solo de batterie assez épique, d’où le choix de Damien Chazelle de conclure son film par ce thème.

Pourquoi c’est puissant : Parce qu’on voit le personnage d’Andrew (Miles Teller, qui a quand même une certaine pratique musicale derrière lui et a interprété 70% des passages à la batterie lui-même) arriver à la condition d’homme et d’artiste dans toute sa dimension émotionnelle. Ce solo final montre toute la souffrance et toute la détermination qui lui a fallu pour en arriver là, quitte à en devenir sourd au monde qui l’entoure. C’est mindfuck, c’est osé, c’est parfait.

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4 – Sailor et Lula (David Lynch, 1990)

Pitch Allociné : Sailor et Lula, deux jeunes amoureux, fuient Marietta, la mère de la jeune fille qui s’oppose à leurs amours, ainsi que toute une série de personnages dangereux et mystérieux qui les menacent. L’amour triomphera-t-il de la violence qui les entoure ?

Morceau interprété : Love Me Tender (Elvis Presley, 1956)

Le personnage de Sailor Ripley (Nicholas Cage) étant un passionné d’Elvis, il décrète qu’il ne chanterait cette chanson qu’à sa femme. C’est ce qu’il fait à la fin du film, lorsqu’il retrouve Lula dans un embouteillage après être sorti de prison. Pour la petite info, le titre est réellement interprété par Nicholas Cage pour le film.

Pourquoi c’est beau : parce que c’est mieux qu’High School Musical en termes de passage gnangnan. Normal, c’est du David Lynch.

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A bientôt pour de nouvelles aventures cinématographiques et musicales.

Enquête exclusive : Un artiste a-t-il intérêt de se détacher de son style ?

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Pardon pour ce manque flagrant d’inspiration, mais je luttais contre ma vie blandinienne un peu compliquée en ce moment, d’où ce manque flagrant d’inspiration. Les vacances arrivant à grand pas et la perspective de passer une soirée tranquille à chiller me redonnent un peu plus de tonus à ma plume. Je me base sur l’exemple du Mari, déjà en vacances et en train d’écrire son 7e essai historique en 9 ans : comment fait-il ?

Aujourd’hui, au regard de la carrière du Mari qui fait une petite embardée avec son cinquième livre (disponible sur Tictail, à la Fnac, à la librairie de l’Harmattan et sur toutes les bonnes plateformes de livres), mais aussi à l’écoute de Frank d’Amy Winehouse, je me suis posée cette question essentielle : un artiste est-il indissociable de son style ? Et si oui, gagne-t-il à s’en détacher ?

Pourquoi je me pose cette question ce soir ? Parce que Frank est certes le premier disque de l’artiste, mais il a le tort d’une part de sentir la production au kilomètre, et d’autre part d’avoir au moins 15 ans de retard sur l’actualité musicale de 2004. En gros, Frank est un disque de new-jack mâtiné de jazz urbain qui n’aurait pas démérité dans les productions new-yorkaises des années 1990. Amy Winehouse a certes été reconnue développer un style rétro, mais c’est quand même de l’abus quand il se passe moins d’une génération avant la réappropriation – on va dire une vingtaine d’années. Amy Winehouse a fait une rencontre heureuse avec Mark Ronson

Nombre d’artistes, au sein de leur carrière, sont tentés par une évolution de leur style de référence vers un style parfois antagoniste, pour le challenge, pour le défi, pour ne pas s’encroûter dans une carrière prévisible. Cela ne se fait pas sans risque : en voulant se fidéliser un public plus large aux goûts moins spécifiques, il est possible de perdre son âme. C’est justement ce que je reproche à des groupes nombreux tels que U2, Coldplay et Muse : j’ai adoré leur début de carrière, mais une modification de leur production me rend depuis chagrine dès lors que j’écoute un morceau de production récente.

Quand j’écoute ceci :

je suis tellement nostalgique de ceci :

D’un autre côté, rester familier d’un même style toute sa carrière amène un autre écueil : celui d’avoir un style tellement reconnaissable qu’on reconnait une chanson de l’artiste aux premières notes de la chanson, ce qui peut vite gaver. Je pense notamment à Michel Berger – qui a réussi à faire de France Gall son doppelganger féminin – ou Jean-Jacques Goldman – qui a quand même refilé deux fois la même chanson à deux artistes différents. Vous ne me croyez pas ? Attendez voir. Vous ne pensez pas que le couplet de ceci :

ressemble au refrain de ceci ?

Je n’ai qu’une chose à dire :

C’est à ce titre que le brave JJ a décidé de se retirer un peu du service en 2002 après le moyen Chansons pour les pieds, et définitivement en 2016 après avoir compris qu’il faisait vraiment n’importe quoi avec les Enfoirés.

Je regardais récemment cette chronique de Mickael J. Manfield où il se plaignait de cet écueil que les spectateurs font en pensant que, depuis 15 ans, Johnny Depp ne jouait indéfiniment que le rôle de Jack Sparrow. Et le brave petit Corse de chez Voxmakers de démonter en règle ce poncif de critique en résumant de belle manière les « rôles bizarres » de Johnny Depp, en développant le principe du jeu d’acteur et en concluant que ce n’était pas de sa faute s’il collaborait avec les mêmes réalisateurs. Ceci m’a fait beaucoup réfléchir quant à la nécessité pour un artiste de s’imposer dans un style ou d’évoluer vers différents styles.

Car le public est une pute : il estime que chaque artiste correspond à un stéréotype duquel il ne doit pas sortir. En gros, on reproche actuellement à Jake Bugg de faire du son urbain :

et de ne pas faire que du son plus roots :

Perso, j’adore On My One parce que j’estime que cette chanson fait partie de son référencement naturel. Mais je ne vais pas lui reprocher de faire des expérimentations telles que Ain’t No Rhyme, d’autant plus que cette chanson est pas trop mal produite et donc pas trop ratée.

Au final, enfermer un artiste dans un style lui ferme les portes de l’expérimentation. Explorer trop de voies pour un artiste ne lui permet pas de fixer son public. Que faire alors ? J’ai peur qu’il y ait un grand pan de créativité qui parte en déliquescence parce que le public ne permet plus l’exploration à partir d’un certain seuil de carrière. Personnellement, je trouve ça dommage.

La musique en duo

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Récemment, avec le Mari, nous avons eu une idée : nous produire ensemble dans un bar, avec les divers instruments que nous avons en notre possession (guitares diverses, basse, banjo, mandoline, yukulélé, guitalélé, clavier, monotron, petites percussions…) et avec nos diverses influences (chanson française, brit-pop, folk, cold-wave, bossa nova, world, jazz…). Si, nous connaissant, il nous prendra beaucoup de temps et de négociation pour nous constituer en duo musical, nous avons estimé que l’idée serait cool.

L’idée germait en vérité depuis un petit bout de temps, depuis que nous nous sommes installés ensemble il y a deux ans. Il est quelque fois où chacun prend un instrument random et nous nous mettons à chanter des trucs random. Mais nous sommes d’autant plus convaincus par l’idée depuis que nous avons vu au mois de décembre 2015 Alain Souchon et Laurent Voulzy au Zénith. C’était mon cadeau d’anniversaire, et nous nous sommes dit en sortant : Ce serait bien si, dans 40 ans, nous pouvions être aussi solide qu’eux.

C’est pour cette raison que j’ai décidé aujourd’hui de dresser une typologie des duos dans mon univers musical. Il me semblait en effet important de savoir ce qui existe au sein même de mon univers – élargi à celui du Mari – en préliminaires d’une constitution d’un répertoire. Voici donc les duos les plus probants pour servir de modèle.

Duos féminin

Brigitte (France – depuis 2008)

Sylvie Hoareau (1970) chante depuis le milieu des années 1990 dans les groupes Topaze et Vendetta. Aurélie Saada (1978) est actrice et chanteuse (sous le nom de Mayane Delem). Elles décident en 2008 de fonder le célèbre duo d’inspiration néo-hippie. Le nom du groupe est pour rendre hommage à la fois à Brigitte Bardot, Brigitte Fontaine et Brigitte Lahaie. Elles accédèrent à la notoriété en 2010 grâce à leur reprise de Ma Benz de NTM feat. Lord Kossity. Elles font depuis leur petit bonhomme de chemin entre albums primés par les Victoires de la musique, albums de reprises et chansons écrites pour d’autres artistes.

t.A.T.u. (Russie – 1999-2011)

A l’origine, Lena Katina (1984) et Julia Volkova (1985) se sont rencontrées adolescentes dans une chorale moscovite assez cotée en 1997. En 1999, un psychologue qui est aussi producteur télé souhaite faire un casting pour former un duo féminin. Lena y est repérée, rejointe au forceps par Julia. Dès le début, les producteurs ont voulu « marketer » le duo autour d’un univers pop et de la supposée homosexualité des deux jeunes filles (t.A.T.u. étant l’acronyme d’une expression russe disant celle-ci aimant celle-là). Après le succès mondial de All The Things She Said (2001), elles représentèrent la Russie et arrivèrent troisièmes du classement de l’Eurovision 2003. Depuis 2009, chacune mène une carrière solo, se reformant à l’occasion.

Ibeyi (France-Venezuela-Cuba – depuis 2013)

Les jumelles Naomi et Lisa-Kaïndé Diaz (1995) sont les filles du percussionniste cubain Anga Diaz (1961-2006), membre du Buena Vista Social Club. Au décès de celui-ci, elles se mirent à étudier le cajon et les musiques folkoriques yoruba, fondatrices de la musique traditionnelle cubaine. Elles ont sorti leur premier EP en 2014, avant un très remarqué album éponyme l’année suivante, dont les influences vont de la soul à la musique expérimentale.

Duos masculins

Simon & Garfunkel (Etats-Unis – 1957-1970, puis reformations diverses)

Paul Simon (1941) et Art Garfunkel (1941), tous deux originaires de New-York et ayant été élevé dans le Queens. La vocation de Garfunkel était particulièrement précoce, puisqu’il a commencé à chanter dans divers crochets dès le CM1. Les deux hommes se rencontrent à 12 ans, lorsqu’ils ont joué dans une adaptation d’Alice au pays des merveilles. Ils connurent leur premier succès en 1957 sous le nom de Tom & Jerry avec Hey Schoolgirl. Mais Garfunkel abandonne vite pour se consacrer à ses études et se brouille avec Simon, qui poursuit une carrière solo en parallèle d’un cycle universitaire. Leur carrière reprend en 1963, mais ils ne connaissent le succès qu’à partir de 1965. En 1967, ils composent la bande originale du Lauréat de Mike Nichols. Leur séparation effective s’est produite en 1970, après Bridge Over Troubled Water. Des reformations ponctuelles ont tout de même lieu, comme lors d’un concert d’anthologie à Central Park en 1981.

Alain Souchon et Laurent Voulzy (France – depuis 1974)

Leur constitution effective en duo n’a été cristallisée qu’en 2014, mais l’album éponyme couronne quarante ans d’amitié et de collaboration musicale entre le parolier Alain Souchon (1944) et le compositeur Laurent Voulzy (1948). Leur rencontre s’est effectuée en 1974, lorsque Bob Sacquet, le producteur d’Alain Souchon, passa une annonce pour recruter un compositeur capable de mettre en valeurs les textes du jeune artiste déjà primé. Depuis, leur collaboration écriture-composition est saluée tant par la critique que le public.

Milli Vanilli (Allemagne – 1987-1998)

Le Français Fabrice Morvan (1966) et l’Américano-Allemand Robert Pilatus (1965-1998) se sont rencontrés à Munich au milieu des années 1980 et décidèrent alors de faire de la musique ensemble. Ils se font repérer par Franck Farian, le producteur de Boney M, qui décident de les signer en 1988. C’est ainsi qu’ils sortirent Girl You Know It’s True en 1989 et qu’ils deviennent un phénomène mondial. Sauf qu’en fait, ni Fabrice Morvan, ni Robert Pilatus n’a chanté une seule note du premier album. C’est ainsi qu’en 1990, au moment d’enregistrer le second opus, ils voulurent négocier de chanter sur l’album. Franck Farian, coutumier du fait (c’est lui qui chantait les parties de Bobby Ferrell de Boney M), dévoila le pot aux roses, ce qui fit crasher la carrière des deux compères qui décidèrent de s’exiler aux Etats-Unis. Rob Pilatus est mort d’une overdose en 1998 et Fab Morvan persiste à vouloir faire son trou.

Les duos mixtes

Rodrigo Y Gabriela (Mexique – Depuis 2000)

A l’origine, en 1993, était le groupe de trash metal Tierra Acida, au sein duquel Rodrigo Sanchez (1974) et Gabriela Quintero (1973) ont évolué. Après la dissolution du groupe, en 1999, ils décidèrent de s’exiler à Dublin et de jouer dans la rue. Ils commencent à se bâtir une petite réputation et se constitue en duo sur les scènes internationales dès 2002. La répartition du duo est la suivante : Rodrigo est à la guitare soliste tandis que Gabriela est à la guitare percussive. Ensemble, ils explorent les territoires du métal, mais aussi du flamenco, du jazz et des musiques orientales.

The White Stripes (Etats-Unis – 1997-2011)

John Anthony Gillis, dit Jack White (1975) et Megan White (1974) ont prétendu être frère et sœur, avant que le monde découvre qu’ils étaient en fait un couple divorcé (ils ont été mariés entre 1996 et 2000). Leur notoriété arriva en 2003 avec l’album Elephant – d’où est tiré cet insupportable hymne de supporters de foot qu’est devenu Seven Nation Army. La collaboration du duo est en fait discontinue durant ces 14 ans, puisque les albums des White Stripes ont été alternés avec d’autres projets de Jack White que sont The Raconteurs et The Dead Weather.

Die Antwoord (Afrique du Sud – Depuis 2007)

Le front de ce groupe de rap-rave sud-africain est composé du duo formé par Watkin Tudor Jones, alias Ninja (1974), et Anri Du Toit, alias Yo-Landi Vi$$er (1984). La première collaboration entre les deux partenaires date de 2002, lorsque Ninja, rappeur reconnu sur la scène du Cap, engage dans le projet The Constructus Corporation Anri à peine majeure. Depuis, les deux artistes partagent la scène, l’affiche et une petite fille de onze ans. Mais c’est réellement avec le projet Die Antwoord qu’ils accèdent à la notoriété internationale, popularisant le zef (courant musical propre au Cap). Leurs textes sont interprétés en xhosa, afrikaans et anglais. Ils ont révélé en interview avoir un plan sur cinq albums ; trois en sont réalisés à ce jour ($O$, Ten$ion et Donker Mag).

J’ai donc matière à travailler avec Mari pour trouver notre style. J’espère sincèrement que ce projet marchera et que vous nous croiserez prochainement dans vos soirées…

Un printemps 2016

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Si je me fais rare, c’est que la vie n’est pas tendre avec moi, entre les obligations professionnelles et les affres du vieillissement. Heureusement, je reçois de la bienveillance et de l’amour en surnombre de mes amis (cf le #33ChansonsThon), de ma famille, du Mari, mais aussi de personnes de la part desquelles ça m’étonne. Résultat : je suis vieille, mais bien dans ma peau.

Malgré tout, même si les mots me manquent, mes oreilles sont toujours alertes. C’est ce que je vais tenter de prouver avec ma petite revue de pépites qui rythmes mon printemps.

Le morceau qui me réchauffe : Jack Savoretti, Back To Me (2015)

Des quatre albums qui m’ont été donné à décortiquer l’automne dernier par Ladies Room, c’est le seul que j’écoute encore avec joie, et pas seulement parce qu’il m’a été donné d’interviewer l’artiste. C’est juste le genre de voix qui prend mes entrailles et en fait un liquide brûlant. Back To Me est d’une structure simpliste à l’extrême, mais rendue rudement efficace par – comment dire ça sans allusion graveleuse ou malvenue ? – une espèce de crumble au miel en guise de prestation vocale.

Le gâteau d’anniversaire : William Sheller, Les filles de l’aurore (1984)

Le Mari, voyant mon émotion durant les Victoires de la Musique et ma supplique répétée pour me procurer Sheller en solitaire, a décidé de m’offrir pour mon anniversaire l’intégrale de William Sheller. So cool, mais cela va me prendre un temps fou en exégèse.

La prise de conscience : Pink Floyd, Wish You Were Here (1974)

Ca va faire deux ans que mon paternel est parti rejoindre la cartographie de mes ancêtres au ciel. Force est de constater que j’ai beau avoir 33 ans et ne plus avoir forcément « besoin » de mes parents pour vivre, l’absence se fait pesamment ressentir à certains moments que je considère comme clés dans ma vie. J’ai donc choisi cette chanson où David Gilmour exprime le manque que lui procure l’absence de son ami Syd Barrett, trop défoncé pour poursuivre une carrière musicale. Je trouve la chanson très inspirante et pas trop larmoyante, mais respirant l’amitié sincère (Gilmour a tout fait pour que Barrett puisse se lancer en solo et récupérer ses royalties de compositeur au sein du groupe jusqu’à sa mort).

La pépite oldies à l’international : Gerry Rafferty, Baker Street (1978)

Car Careless Whisper avait un précédent en termes de saxophone évocateur des plus épiques bandes originales de films érotiques américains… Blague à part, à l’instar de Struggle for Pleasure de Wim Mertens ou de Music de John Miles, j’ai mis des années à comprendre qui se cachait derrière ce titre que j’entends à la radio depuis mon enfance. En menant ma petite enquête sur le bonhomme, outre que le pauvre soit mort des suites de son alcoolisme en 2011, j’ai trouvé qu’il était aussi le leader du groupe écossais Stealers Wheels, connu à l’international avec le titre Stuck In The Middle With You (1972).

La pépite oldies en France : Michel Berger, Les princes des villes (1983)

Deux éléments m’ont fait me devenir obsessionnelle de cette chanson ces derniers mois au point que je la massacre au karaoké :

  • Les aller-retours en Bretagne assez récurrents me font scotcher sur Radio Nostalgie (seule radio que je capte à peu près de bout en bout). Durant l’hiver 2015-2016, au profit d’une campagne de pub déguisée pour la comédie musicale Résiste, Nostalgie a donc diffusé en rotation lourde ce titre.
  • Jérôme Kério, musicien accompagnant Amir à l’Eurovision 2016 et animateur du Morning du Matin sur Oüi FM, fait également partie d’un tribute band à Michel Berger intitulé… Les Princes des villes. La boucle est bouclée.

La pépite actuelle à l’international : PJ Harvey, The Wheel (2016)

Ma jeunesse dans les années 1990 m’a fait découvrir le Lilith Fair Festival, fondé par Sarah McLachlan, où la scène féminine était mise en exergue. Dans cette veine se situait PJ Harvey, bien qu’elle n’y ait jamais joué. Je me suis toujours dit qu’un jour, il faudrait que j’explore son répertoire. L’occasion m’en est donnée alors qu’elle va fêter l’an prochain ses 25 ans de carrière, mieux vaut tard que jamais. En effet, je suis tombée en pâmoison dès la première écoute de ce titre. Et j’ai été fascinée par l’explication des conditions d’enregistrement de l’album par Dom Khiris : en gros, ça a été enregistré à l’arrache dans un musée londonien. C’est d’autant plus badass.

La pépite actuelle en France : Radio Elvis, Les moissons (2015)

Après La traversée, l’été dernier, je retrouve avec plaisir ce groupe que j’ai découvert en concert au Oüi FM Festival en juin 2015. Si le son est minimaliste – je dirais même calibré à certains standards de production à la française dans les années 2010 –, je suis davantage séduite par les textes et par le chant. Ce genre de texte et de chant qu’avaient des artistes dans les années 1980 (Alain Bashung, Daniel Darc) qui sont devenus des mastodontes dans les années 2000. C’est pour cette raison que je mise sur une élévation de Radio Elvis au rang de classique dans les environs de 2035.

La déclaration d’amour : The Stones Roses, Waterfall (1989)

Depuis presque trois ans que je suis avec le Mari, j’ai appris à gérer toutes ses marottes musicales. L’une d’elles est un groupe, je vous le donne en mille, de Manchester, dont il m’a rabattu les oreilles pendant deux ans avant de me faire écouter leur premier album. Je ne saurais que reconnaître la qualité de cet enregistrement dont est tiré ce titre. Et je suis tellement connectée spirituellement à mon cher et tendre qu’il suffit que j’écoute les premières notes de cette chanson dans le bus pour le voir apparaître comme par magie dans la rue.

La perte ultime : Prince, Purple Rain (1984)

La seule chose que j’ai à dire est que 2016 pue vraiment de la gueule. Sincèrement.

La playlist à Patoche

Mais qui est Patoche ? Patrick Rouiller, Suisse de 28 ans et tâcheron des télé-crochets suisses, allemands et français, est mon chouchou absolu de cette moribonde Nouvelle Star 2016 qui ressemble de plus en plus à The Voice, ce qui n’est pas pour me plaire. Joey Starr n’y change rien, la formule Nouvelle Star est en voie de péremption.

Malgré tout, Patrick gagne tout mon amour en reprenant de manière très élégante tout ce qu’il touche. Il a surtout réalisé mon fantasme absolu : prouver que Partir un jour des 2B3 était en vérité une chanson de jazz. Je vous laisse juges, mais moi, je suis devenue folle le jour où j’ai entendu ça pour la première fois :

Bref, même si je sais qu’il n’a pas le poids pour gagner face à Mia « la sorcière », l’ami Patoche m’a permis de découvrir et de redécouvrir de vraies petites pépites. Voici les trois chansons qui symbolisent mes prestations préférées.

Michel Legrand, Les moulins de mon cœur (1969)

Cette claque qu’a été la prestation des castings m’aura au moins permis de redécouvrir la version originale de ce morceau-marronnier de télécrochet qui a le mérite de me filer de vrais frissons. En effet, la plupart des reprises postérieures n’ont évidemment pas la classe que lui a adjointe Michel Legrand, et cette chanson a fini par me gonfler, tellement j’en ai connu de versions massacrées. Patrick a eu le mérite d’être d’une sobriété absolue, ce qui a rendu ses lettres de noblesse à la chanson.

The Beatles, Golden Slumbers/Carry That Weight/The End (1969)

Cette chanson est tirée de mon album préféré des Fab Four, à savoir Abbey Road. Le Mari vient de m’indiquer que l’illustration que je vous ai durement piochée sur Dailymotion est un raw mix (donc pas le mix définitif), mais c’est la seule version présentable et réellement chantée par les Beatles dans leur ensemble. Patrick l’a interprétée durant l’ « épreuve du feu », à savoir l’ultime écrémage avant les émissions en direct sur D8. Je n’ai pas vu à la télé, mais j’ai quand même réussi à trouver plus d’intensité dans l’interprétation de Patrick que dans l’interprétation originale.

Dick Annegarn, Bruxelles (1974)

Déjà, chanter du Dick Annegarn dans un télécrochet français relève du génie absolu en termes de choix de programmation, même si les tragiques événements du mois dernier ont influencé la production de Nouvelle Star dans ce choix. Là aussi, je vous laisse prendre la mesure du mec :

Et à chaque fois que je regarde cette prestation, je n’ai qu’une réaction :

En attendant d’autres aventures musicales, je vous souhaite que ce printemps 2016 voit fleurir vos amours, vos projets et vos oreilles.

#33ChansonsThon

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Aujourd’hui, mercredi 30 mars 2016, j’ai 33 ans. Et avoir 33 ans pour moi revêt la même importance symbolique qu’en avoir 29 à l’époque, même si cela n’a pas la même portée psychologique. Comme me le disait un des messages d’anniversaire que j’ai reçus : « C’est quand même un beau symbole que de fêter ses 33 ans juste après Pâques. ». Et à chaque passage d’âge symbolique équivaut le nombre des années en chansons.

Si, pour mon 29e anniversaire, j’avais fait un décompte du 1er au 29 mars 2012 sur les réseaux sociaux en postant une chanson par jour de 2012 à 1984, cette année, j’ai décidé de me faire offrir 33 chansons par 33 personnes différentes. J’ai réussi au final à m’en faire offrir 25 par 24 contributeurs. Oui, j’ai accepté qu’une personne m’offre deux chansons, mais ce n’est pas le Mari. J’ai donc décidé de classer ces contributions par thématiques.

Les messages lambda de bonne journée d’anniversaire

Amy Winehouse, It’s My Party (2010)

A l’origine est la chanson de Lesley Gore, en 1963, reprise la même année par Richard Anthony. C’est précisément cette version originale de la chanson qui m’a été dédicacée, mais j’ai demandé à la personne si je pouvais utiliser la version de ma regrettée Amy.

The Specials, A Message To You Rudy(1979)

Une petite chanson toute mignonnette d’une personne qui me tarde d’être vue dans n’importe quel état qu’elle se trouve…

Lou Reed, Perfect Day (1972)

Cette chanson est à double tranchant. D’une part, la personne qui m’a dédiée cette chanson l’a fait dans un objectif très mignon. D’autre part, cette chanson me fait chialer au possible. Donc merci, mais avec la gorge serrée.

Quand on me souhaite de l’amour (de l’amour de l’amour de l’amour)

George Harrison, Learning How To Love You (1976)

Ceci est la première chanson qui m’a été dédiée, et je n’en attendais pas moins de la personne qui est l’auteur de la dédicace (moi aussi, je t’aime).

Véronique Sanson, Amoureuse (1972)

La personne qui m’a dédiée cette chanson est une petite farceuse : en effet, dans quelle mesure a-t-elle dédiée cette chanson à moi-même ?

Todd Terje feat. Brian Ferry, Johnny & Mary (2014)

A l’origine est la chanson de Robert Palmer (1980) qui servit d’habillage sonore aux publicités de Renault dans les années 1980. Mais j’avoue que cette version assez planante correspond davantage à l’esprit que je me fais de la chanson en en comprenant les paroles. Par conséquent, je remercie la personne qui me l’a dédiée pour cette jolie découverte.

The Cure, Lovesong (1989)

La personne qui m’a dédiée cette chanson suit assez bien mon feed Facebook pour avoir compris ce qui plaît au Mari…

Camille, Mon petit vieux (2002)

Chanson dédiée par une personne d’un goût sûr qui s’émeut de l’image que je donne avec le Mari. J’avoue que cette personne est elle-même très mignonne avec la personne qui partage sa vie.

Quand on a poussé le délire christique un peu loin

Taizé, O toi, l’au-delà de tout (2012)

Là aussi, je n’en attendais pas moins de cette personne, avec laquelle j’ai partagé mes premiers séjours dans cette sympathique communauté.

David Bowie, Rock’n’Roll Suicide (1972)

Evidemment, quand on parle de la mort du Christ ou d’un quelconque demi-dieu tel que Ziggy Stardust…

Marvin Gaye, Mercy Mercy Me (1971)

Beaucoup d’émotion quant à la dédicace de cette chanson. D’une part, je partage avec la personne qui me l’a dédiée un amour sans faille pour la soul. D’autre part, elle voulait par cette chanson me témoigner de son cheminement personnel en termes de spiritualité, et je la remercie d’avoir assez confiance en moi pour partager cela avec moi.

Depeche Mode, Personal Jesus (1990)

Petite blagounette sur Priscilla Presley qui considérait Elvis comme son Jésus personnel. C’est d’ailleurs la bio de cette même Priscilla Presley qui a inspiré cette chanson.

Claudio Monteverdi, Laudate Dominum – SV 287 (1640)

et

Gabriel Fauré, Requiem – Sanctus (1887)

Quitte à pousser le délire christique trop loin, autant me dédier des chants sacrés issus des périodes baroque et post-romantique…

Quand on me connaît un peu trop bien

Maracatu Leao Coroado, Senhora Do Rosario

Mon refrain préféré lors de mes sessions d’orchestre que je hurle dès que l’occasion se présente. Logiquement, on essaie de jouer ce morceau le moins souvent possible…

Ten Years After, I’m Going Home (1968)

et

Nirvana, All Apologies (1993)

C’est donc une seule et même personne qui a eu le privilège de me dédier ces deux chansons. J’aime l’idée qu’elle se rappelle à travers ces chansons ce que nous avons vécu ensemble il y a une vingtaine d’années, malgré le fait que la vie nous a séparées.

Quand on décide de me faire découvrir son propre univers musical

Les huit chansons qui vont suivre m’ont été dédiées avec un objectif très précis : sortir de mes sentiers battus pour aboutir à un vrai moment de partage. Et je trouve ça plutôt cool.

The Smiths, Panic (1986)

http://youtu.be/JlYXp_3A64k

Dave Matthews Band, Two Step (1996)

http://youtu.be/-ZfBIiz2sbA

Sidi Wacho, Con Sabor (2015)

http://youtu.be/aww3IFe1WvM

Juliette Katz, Tout le monde (2011)

http://youtu.be/7IWgPteOSck

Billy Joe Royal, Hush (1967)

http://youtu.be/QoJP65nAMGA

The Kinks, Lola (1970)

http://youtu.be/LemG0cvc4oU

Slim Whitman, North Wind (1953)

http://youtu.be/RnoMYcxWHj4

Kent, Things She Said (1998)

http://youtu.be/Bdsjm9J6c9A

*

Si vous avez compté, ça fait donc 25 chansons sur 33. J’ai donc décidé de compléter avec 8 chansons de 1983 que je n’ai pas l’habitude de publier sur le blog, mais que j’aime beaucoup.

Bernard Lavilliers & Nicoletta, Idées noires

http://youtu.be/E8EOhsoVSiI

U2, New Year’s Day

http://youtu.be/vdLuk2Agamk

Eurythmics, Sweet Dreams (Are Made Of This)

http://youtu.be/qeMFqkcPYcg

The Police, Every Breathe You Take

http://youtu.be/OMOGaugKpzs

Axel Bauer, Cargo de nuit

http://youtu.be/gO96CaLFRBw

Toto, Africa

http://youtu.be/FTQbiNvZqaY

Toto Cotugno, L’Italiano

http://youtu.be/kuwlRavKrXc

Kajagoogoo, Too Shy

http://youtu.be/qsjzcT1QKYs

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Encore merci pour les différents messages, chansons, coups de téléphone, tweets, bisous, chocolats… 33 ans, tout un symbole qu’il m’a plu de fêter avec vous tous.

10 génériques de séries qui m’ont marquée

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télévisionComme je l’ai expliqué plusieurs fois, mon rapport aux images est très conflictuel. La plupart du temps, quand je « regarde » quelque chose sur Internet ou à la télévision, je fais autre chose en attendant. Et je ne parle même pas du cinéma qui revêt pour moi une véritable torture. Il faut vraiment que le film soit exceptionnel dans son contenu pour que je ne regarde pas ma montre toutes les cinq minutes.

Mon rapport à l’image est, comme d’habitude, dicté par la musique. Mon intérêt pour une série est bien souvent fondé sur le générique. Il arrive même que je n’aime pas du tout la série, mais que j’adooore le générique. J’ai vécu l’expérience très récemment avec X-Files : j’ai remercié Chris Carter de ne pas avoir « refondu » le générique original de 1993 pour la diffusion de la 10e saison en 2015-2016 et d’avoir ainsi respecté ma madeleine de Proust.

Voyons maintenant comment et pourquoi j’ai été accro à une série à cause de son générique – ou pas.

X-Files (Mark Snow, 1993)

Puisqu’on en parle, et puisque la 10e saison vient d’être diffusée sur M6 entre fin février et début mars 2016, j’ai été donc ravie qu’il n’y ait pas eu de refonte ou de remix du thème original. En effet, bien que la dramaturgie de la série ait pris de nouveaux enjeux et que la problématique des personnages ne soit plus forcément la même, cela permet une continuité après 12 ans d’interruption. Et ça, c’est beau.

Hawaï Police d’Etat (Morton Stevens, 1968)

Nous avons ici l’exemple inverse de X-Files, à savoir un générique qui a connu un remix lors de son reboot en 2010. Le Mari trouve cela légitime, dans la mesure où ce ne sont pas les mêmes acteurs (la première série s’étant arrêtée en 1980, et Jack Lord, l’acteur principal, étant mort en 1998). Mais pour moi, le fait que le générique ait été remixé pour Hawai Five-0 a contribué à mon désamour pour le reboot, alors que j’ai de bons souvenirs de la série originale. En plus, les acteurs du reboot jouent très très mal. C’en est à pleurer.

Doctor Who (Rob Rainer, 1963)

Nous avons le cas ici d’un générique qui se fait remixer à chaque changement de Docteur, mais dont le thème reste le même depuis le début de la série. Il est malgré tout de réorchestrer le thème à chaque incarnation du Docteur. Si le thème est réorchestré de manière minimaliste durant la première série, les différentes orchestrations depuis 2005 sont bien plus éclatantes. Ne m’étant intéressée qu’à la « nouvelle » série notamment grâce notamment grâce au reboot de Murray Gold en 2010, j’ai peur aujourd’hui d’aborder les épisodes « classiques » quand j’entends le minimalisme qui a perduré de 1963 à 1989. Et pourtant, le Mari pousse mon vice dans ce sens en m’ayant offert à Noël une sélection de la série classique…

V (Joe Harnell, 1983)

Si je devais définir une vraie madeleine de Proust des années 1980 – encore une fois, merci Marie Mistigri d’avoir eu dès ton enfance une culture très freak et de m’avoir engrainée dedans –, c’est bien la série V. Certes, à l’âge de 5-6 ans, j’étais un peu petite pour en comprendre le propos sous-tendu, mais tant la musique que le contenu du générique m’a marquée à jamais. Il faut dire que des lézards extraterrestres qui envahissent la Terre pour faire des humains leur nourriture a le mérite d’intriguer n’importe quel spectateur, à n’importe quel âge.

Supercopter (Sylverster Levay, 1984)

Déjà, parce que je trouvais la série était over the badass – vous aurez remarqué avec V  que je regardais pas mal la Cinq quand j’étais petite –, mais ce générique, bordayl de merde, ça doit être le générique le plus emblématique des années 1980 avec ceux de Magnum et de K2000. Mais Supercopter a sur moi la suprématie sur ces deux séries que j’aimais pourtant beaucoup. Pourquoi ? Parce qu’il y avait une dimension plus largement familial dans le matage de Supercopter, alors que j’avais plus l’habitude de mater la télé avec ma sœur seule. Et puis cette parodie de cour d’école : Oh Supercopter, la bite en l’air, le cul par terre…

L’homme qui valait 3 Milliards (Oliver Nelson, 1974)

Encore une série sur la Cinq, mais un générique qui m’a tellement traumatisée, putain ! Déjà, voir un crash, des trucs qui explosent, ça fait peur quand le premier souvenir télévisuel est Tchernobyl. D’autre part, étant donné ma phobie du secteur médical, entendre ces bip bip partout est une vraie torture. Là aussi, je trouvais la série cool – le héros était devenu un super-héros –, même si je préférais le spin-off Super Jamie parce que c’était une fille. Quand bien même je résistais aux injonctions girly en stabilotant les Barbie de ma sœur et en coupant mes cheveux, quand il fallait choisir des modèles télévisuels, c’étaient Super Jamie et Wonder Woman.

Mac Gyver (Randy Edelman, 1985)

Diffusée sur TF1, cette série est l’archétype de ce que je voyais à la maison. En effet, ma mère se faisait surnommer dans le milieu professionnel Mac Gyver, et pour l’avoir vue à l’œuvre, je peux vous assurer que cette réputation est largement méritée. Je croirais presque entendre le générique quand, lors de colonie de vacances ou des séances de récré, en l’absence d’AspiVenin, elle demandait à quelqu’un d’allumer une clope pour brûler le venin d’une piqûre de guêpe. Je vous raconte ça dans le contexte des années 1990, parce que maintenant, elle a toujours sa dose d’Apis Mellifica 15CH sur elle pour ce genre de désagrément. Ma mère, ce héros badass en puissance.

Starsky et Hutch (Haïm Saban/Lionel Leroy, 1982)

Oui, je vous ai mis le générique français, parce que le générique original ne me parle pas, comme il ne parle à aucun lecteur français de cette chronique. Ce générique est d’autant plus culte que j’entends encore ma sœur chanter Tartiiiiine Pléboche ! Lalalalalala ! C’est là que je remarque que j’ai été pas mal marquée par les séries policières dans mon enfance, parce que c’était le moment de divertissement de ma maman.

Madame est servie (Larry Carlton, 1984)

Ce générique est mythique dans la mesure où ma sœur et moi nous dépêchions de finir de manger dès lors que la musique retentissait. C’est la première série pour laquelle je me suis prise de passion véritable et où j’étais plus dans le rôle de spectatrice que d’accompagnatrice de ma sœur. Même si c’était diffusé sur M6 à l’époque, et qui disait M6 à l’époque disait…

Gros traumatisme, donc.

Urgences (James Newton Howard, 1994)

J’avoue, au début, c’était le signe pour aller me coucher le dimanche soir et pour laisser ma sœur et ma mère baver sur le Dr. Ross. Et puis ce fut le signe qu’il fallait rejoindre ma mère devant la télé parce que j’étais tombée amoureuse du Dr. Carter et que je m’étais émue de la fin du Dr. Greene – sachant que j’ai vu pour la première fois l’épisode qui relatait sa mort d’une tumeur au cerveau en novembre 2002, quelques jours après le décès de mon cousin. J’ai dû suivre à partir du départ de George Clooney de la série, soit à la fin de la saison 5. Mais Dieu que ça a rythmé mes dimanches soirs plus que le générique de Ca Cartoon.

Comme vous auriez pu le comprendre, c’est ma sœur qui m’a amenée à m’intéresser à la télé, et ces génériques étaient aussi l’occasion de la voir sortir de son agitation et se poser tranquillement, comme un réflexe pavlovien. Quand j’y repense, je dirais même que la plupart des séries que je matais jusqu’à 22 ans, je les matais avec ma sœur. Mon expérience personnelle de la télévision a alors commencé, et je me suis mise à m’intéresser à des documentaires, aux émissions musicales… Mais rien n’aura mieux marqué mon enfance que les génériques de séries télévisées.

Dix chansons… de rupture ratée

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L’année 2016 marque donc ma troisième saint Valentin de couple et mon premier en tant que femme mariée. Et, comme d’hab’, le Mari et moi n’avons pas fait les choses dans les règles de l’art – je suis même certaine qu’il est en train de me maudire tout seul dans son coin au moment où j’écris ces lignes. Quoi qu’il en soit, qu’importe ce que l’on a fait, on l’a fait à deux et c’est bien ça le principal. De toute façon, depuis le temps que vous me connaissez, vous savez que je n’aime pas trop les 14 février…

J’ai eu l’idée de cet article par mon camarade Pierre, ma petite salope de l’amour, qui s’est écrié ce matin sur Twitter :

Je vais donc parler pour cette saint Valentin musicale des ruptures ratées. Qu’elles soient molles – je t’aime, mais je te quitte parce que je souffre de t’aimer –, ou carrément lâches – j’ai deux-trois exemples en tête,

Petite illustration en musique, donc.

Jeane Manson, Avant de nous dire adieu (1976)

La chanson sus-criée par mon Pierre, preuve que les références Twitter ne sont pas des plus fraîches lorsqu’on veut faire du second degré.  Sinon, la chanson me rappelle ma réaction, il y a cinq ans, lorsque j’ai eu une histoire avec un jeune homme qui me lâche au bout d’une semaine : « Nan, je me suis bien éclaté avec toi, mais t’es vraiment hystérique. » Ha la la, je n’aimerais pas revivre mes 28 ans sur le plan émotionnel…

Joe Dassin, Salut les amoureux (1973)

Si cette chanson est une adaptation française du City Of New Orleans de Steve Goodman (1971), elle est surtout difficile à entendre lorsqu’on a vécu la situation. En effet, la rupture où il persiste un flottement quant aux sentiments n’apporte rien de bon dans la reconstruction émotionnelle qui s’en suivra.

Adele, Someone Like You (2011)

Dans mon vécu émotionnel, cette chanson est la suite logique de la précédente : lorsque l’autre s’est très bien remis émotionnellement de votre histoire au point de se remettre en couple, et que, de notre côté, on en est encore à digérer l’histoire, c’est juste pas cool.

2B3, Partir un jour (1996)

Là, on n’est même plus dans la rupture molle, mais dans la rupture de gros lâche. Oui, comme dans le cas du jeune homme que j’ai cité pour Jeane Manson. Mais je pense que la pire phrase de la chanson est Sans se retourner, ne pas regretter, penser à demain recommencer… Et tu te retrouves, 10 ans plus tard, avec une meuf qui te dit : « Hey, tu fais quoi maintenant ? Bah moi, chuis posay avec mes gosses, toussa… Et toi ? Han, tu niques encore à droite, à gauche… Tu vois, je te remercie, parce que grâce à toi, j’ai su ce que je ne voulais plus comme connard… ».

The Beatles, For No One (1966)

La chanson n’est pas ratée, en soi, puisque c’est l’une de mes préférées de Macca. Mais l’histoire du mec qui interprète mal les pleurs de sa désormais ex-compagne (« Si ça se trouve, elle a besoin que je m’occupe d’elle… », alors que, du côté de la demoiselle, le deuil de la relation se fait) peut se révéler classique chez les amoureux pas forcément émotionnellement matures – sachant que Macca avait 24 ans lorsqu’il a écrit cette chanson, hein.

Kévin Prototype, Ton absence m’emprisonne (2012)

Je ne remercie pas Antoine Daniel, dont je suis pourtant ultra-fan, de s’être occupé du cas de ce jeune homme qui vit très mal sa rupture. Au point de faire une chanson de R’n’B moisie qui a, dans certains aspects de la composition, au moins 15 ans de retard. Non seulement c’est pourri, mais, dans sa douleur de vivre, il en a perdu tout le mécanisme d’articulation. Et c’est une meuf qui a sérieusement besoin de cours d’orthophonie qui le dit.

The Scorpions, Still Loving You (1984)

La meuf est partie, mais le bonhomme lui propose quand même son amour pour la faire revenir, après apparemment l’avoir blessée dans son orgueil. Grosse faute professionnelle quand même, de proposer encore ton amour après avoir touché à l’orgueil. C’est comme proposer à ta meuf de l’emmener chez Big Fernand alors que tu t’es moqué de sa récente prise de poids.

Jackie Lomax, How Can You Say Goodbye (1969)

Proposition du Mari, quand il a enfin compris le concept du papier (il faut dire que je suis his first, his last, his everything, donc il a du mal à comprendre le concept de rupture amoureuse ratée). Encore un type qui s’accroche comme une moule à son rocher en ne comprenant pas ce qu’il passe… Ce titre a fait un bide – peut-être à cause de la voix de veau du chanteur –, mais c’est rendre une cruelle injustice aux quatre musiciens studios : juste trois des quatre Beatles (Johnny est parti cuver son crack je ne sais où) et Eric « Dieu » Clapton.  Comme quoi, hein.

Gérard Lenorman, Voici les clés (1976)

Là, on est vraiment dans le concept de la porte ouverte et du chantage affectif. C’est moche, Gérard, très moche. C’est pour cette raison que, le jour où on a décidé de quitter quelqu’un, il est préférable d’emmener TOUTES ses affaires d’un coup et ne rien laisser derrière soi.

Mano Negra, Pas assez de toi (1990)

Pour ma dernière proposition, j’avais envie d’explorer un aspect de la rupture ratée plutôt absent : la vengeance. Car une rupture est aussi ratée quand l’être quitté prend le fait de faire disparaître l’être anciennement aimé au sens propre. Je peux très bien me passer de toi, mais si je pouvais éviter de te croiser dans la rue à tout jamais, ça m’arrangerait mieux, tu vois…

Bref, j’espère que les amoureux ne se sont pas trop frité aujourd’hui et que les célibataires ne se sont pas trop voilé la face. En tout cas, sous n’importe quelle forme, je laisse le soin à notre Johnny national d’exprimer ce que je vous souhaite…

Leçons de musique du professeure Giovanna #2 : Inspiration en majeur ou en mineur.

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Il y a un peu plus de 6 ans, j’avais écrit pour Ladies Room une leçon de musique sur la réorchestration, le sample et la reprise. C’est un sujet qui me tient à cœur, tant la musique, depuis ses balbutiements les plus anciens, s’est nourrie des diverses couches d’airs plus ou moins populaires selon les époques.

Aujourd’hui, je voudrais parler de la construction d’une mélodie selon une gamme d’harmonie majeure ou mineure. Et quand je parle de gamme d’harmonie majeure ou mineure, c’est selon les critères des gammes à l’européenne – heptatonique et chromatique –, majoritairement utilisée dans les musiques que j’écoute (à savoir tout ce qui est musique classique et populaire). Je ne vais pas vous péter les noix à vous expliquer les spécificités entre les différentes gammes, la fiche Wikipedia est très exhaustive et ce serait vous remplir la tête avec pas grand-chose.

La musique classique (depuis le XVIe siècle) et la musique populaire européennes utilisent donc 12 notes : do – do#/réb – ré – ré#/mib – mi – fa – fa#/solb – sol – sol#/lab – la – la#/sib – si. Le notes, mises ensemble, forment des harmonies sous forme d’accords. Les accords ouverts simples sont composées de quintes tempérées (do/sol, do#/sol#, etc.). On parle d’accord majeur ou mineur lorsqu’une note à la tierce de la note de base vient s’ajouter. L’accord est majeur lorsque la note à la tierce est augmentée (comme dans do-mi-sol), il est mineur lorsque la note à la tierce est diminuée (comme dans do-ré#/mib-sol). On ne va pas parler des accords augmentés pour l’instant, ça va être trop chiant.

Et composer une chanson ou un air avec une base d’accords majeurs ou mineurs n’a pas la même incidence. Dans l’inconscient collectif des sociétés écoutant de la musique populaire à la mode européenne au XXIe siècle, les chansons écrites en mode majeur ont la réputation de parler de choses gaies et entraînantes, alors que les chansons écrites en mode mineur ont la réputation d’exprimer le désespoir, la tristesse, la colère, etc. Même si cela se vérifie sur un certain répertoire, j’ai deux contre-exemples évidents en tête :

  • Un monde parfait d’Ilona Mitrecey, qui se base certes sur trois accords, mais dont le mode dominant est considéré comme mineur.

  • Creep de Radiohead – grand groupe de dépressifs s’il en est –, dont le mode dominant est le majeur.

Pourquoi ai-je voulu m’intéresser à cela aujourd’hui ? Parce qu’en décembre 2015, j’ai découvert à travers cet article de Topito le travail d’Oleg Berg, un musicien ukrainien qui a décidé de s’amuser à trifouiller les plus grands tubes pour les changer de mode harmonique. Il a donc à son actif à peu près 100 détournements sur sa chaîne Youtube. Sa technique : bidouiller par ordinateur les notes (un peu comme la technique des shreds postés sur Youtube) pour faire quelque chose d’à peu près harmonieux, mais dans le mode inverse de départ. Techniquement, c’est plus ou moins réussi – mon oreille avertie aux variations de qualité sonore est plus sensible aux défauts techniques qui se ressentent sur certaines vidéos.

La réaction de la plupart des gens, en écoutant ces versions shredées, est le malaise. En effet, changer le mode harmonique d’une chanson, de surcroît connue, interroge l’auditorat sur son contenu, voire même (encore et toujours) sur la manière ou la finalité de l’écoute d’une chanson. Que retient-on d’un air ou d’une chanson ? Sa substance ou sa signification ? Personnellement, sur certaines des vidéos que j’ai consultées, j’ai trouvé que certains passages du mode majeur au mode mineur révélaient la véritable signification de la chanson, alors que beaucoup de passages du mode mineur au mode majeur – les chansons entraînantes – rendaient les chansons putassières.

Voici donc une petite sélection de mes cinq passages préférés.

REM – Losing My Religion

Ce bidouillage n’est pas d’Oleg Berg et il est techniquement bien réalisé. Je trouve que le changement de mode n’a pas rendu la chanson putassière et j’ai ma petite explication. L’orchestration de départ, selon moi, ne rend pas justice au propos nihiliste de la chanson car celle-ci compense ledit propos par une ambiance pop et folk positive. Par conséquent, le changement de mode ne dénature pas le propos de la chanson, puisque la chanson de départ est en soi un duel d’ambiance.

The Beatles – Hey Jude

et

The Beatles – Let It Be

Je trouve le traitement de ces deux chansons de Paul Mac Cartney très intéressant. D’une part, ces sont des chansons dont le propos général est triste, mais dont la mélodie en mode majeur appuient la volonté d’apporter un réconfort face à la tristesse du propos. En passant ces chansons en mode mineur, il me semble que le mode majeur adopté par Macca au départ a une fonction bien hypocrite, et que l’on voit le sens véritable du propos soutenu à travers le passage en mode mineur.

Michael Jackson – Black or White

Personnellement, je trouve la chanson aussi bonne passée en mode mineur. Je dirais même que le passage donne un côté powerful à la chanson là où l’excès de positivisme du mode majeur a un peu tendance à réduire la puissance du propos tenu. Mais quand je l’ai faite écouter à la Siamoise, grande fan de Michael Jackson, elle a trouvé comme seule explication à son malaise le fait que la mélodie ne collait plus à la session rythmique du morceau. C’est son ressenti, je le respecte, mais à mes oreilles, son explication a sonné comme incohérente.

Thème de Tetris

Là, il n’y a pas de propos à tenir, mais juste une ambiance suggérée. Et l’on passe d’une atmosphère russe à une ambiance lambda de jeu pour enfant de moins de 7 ans. C’est rigolo, même si c’est très iconoclaste.

Le mode harmonique d’un air ou d’une chanson n’est donc pas innocent dans la perception que chacun a de cet air ou de cette chanson. La plupart du temps, il est à relier avec le propos général de la chanson pour former son ambiance générale. Les propositions de « perturbations » d’ambiance telles qu’elles peuvent être proposées par Oleg Berg reflètent la nécessité de chacun à réinterroger constamment son univers musical.

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